아래의 글은 '연극과 영화의 이해' 교과를 위해 편집한 교재 [연극과 영화](동아대학교 출판부, 2006)의 머리말입니다.

[연극과 영화] 머리말

2005년 연말에 개봉하여 순식간에 천만 관객을 돌파하며 흥행 최고기록을 향해 달리고 있는 영화 <왕의 남자>(이준익 감독)는 익히 알다시피 김태웅 원작의 연극 <이 爾>를 영화화(최석환 각본) 한 것이다. <이>는 이미 2000년에 한국연극협회 선정 올해의 연극상, 희곡상, 연기상을, 2001년에 동아연극상 작품상, 연기상 등을 수상한 바 있지만, 영화의 흥행에 의해 원작에 대한 관심이 증폭되어 연극마저 새로이 흥행가도를 달리게 되는 독특한 현상을 목격하면서 연극과 영화의 관계에 대하여 새삼 생각하게 된다.

영화 <왕의 남자>가 흥행에 성공하게 된 원인은 크게 두 가지가 있다. 하나는 <패왕별희>에서 익히 보았던 경극의 이미지나, <햄릿>에서 잘 알려진 광대들의 극중극 이미지 등이 적절하게 차용되면서 그에 따른 극적 모티프를 영상미로써 잘 표현하였던 것에 힘입은 바 큰 것이고, 다른 하나는 연극 <이>에서 중심 갈등으로 삼았던 권력에의 의지 또는 신분상승의 욕구보다는 대중적 성향에 가까운 동성애적 코드에로 집중하면서 영화의 서사구조를 확대시키고 있음에 크게 기인하는 것이다.

이처럼 영화는 원작 연극과는 많은 점에서 차별된다고 할 수 있는데, 그럼에도 불구하고 영화를 본 관객들이 굳이 그 원작인 연극 <이>을 보겠다고 줄을 서는 이유는 무엇일까? 그 현상이 단순히 호기심 차원에서만 이뤄지는 것이라면 연극은 머지않아 설 자리를 잃게 될 터이지만, 덕분에 연극을 처음 보게 된 관객들은 비로소 영화와는 차원이 다른 연희예술의 묘미와 감동에 빠지면서 새로운 매력을 느끼게 된다.

그것은 평면의 스크린에 비춰진 영화의 이미지가 실재가 아닌 모상(simulacre)에 불과한 것과는 달리, 연극은 배우와 관객들의 교감에 의해 즉석에서 빚어지는 영적 분위기(aura)로 살아 움직이는 현장 예술인 까닭이다. 등 뒤에 구명줄을 매달거나 스턴트로 연출되는 영화 속의 줄광대 장면만 비교해보아도 그 차이는 상상이 될 것이다. 그 예술적 생명성에 대한 경험은 배우에게도 마찬가지여서 아무리 영화판에서 인기를 누린다고 하더라도 한 번이라도 무대를 거쳐 갔던 배우라면 객석과의 교감으로 이루어지는 연극의 현장을 결코 잊지 못하는 법이다.

그렇다면 과연 연극은 영화에 비해 그토록 입체성과 현장성이 뛰어난 것인가? 사실 연극은 살아있는 연기를 눈앞에서 실감하는 생명력을 지니는 것이긴 하지만, 많은 제약을 안고 있는 것 또한 사실이다. 우선 연극은 무대라는 공간의 한계에 제약을 받을 수밖에 없으며, 투자되는 자본마저 영화에 비한다면 영세하기 짝이 없는 것이다. 그러니 장치, 분장, 의상, 음악, 음향, 조명 등의 수준은 말할 것도 없을뿐더러 고도로 발달한 컴퓨터그래픽 기술에 이르기까지 실감나는 장면을 연출하는 것은 도저히 영화에 미칠 수가 없다. 무엇보다도 영화는 카메라를 자유자재로 움직이며 무대에선 재현 못할 광대한 스펙터클과 미세한 장면들을 담아낼 수가 있으며, 원하는 만큼 서사를 확대시키며 상상된 이미지를 영상으로 표현할 수 있는 장점을 지니는 것이다.

이런 저런 비교를 통해 장단점을 더 열거할 수도 있겠지만, 궁극적으로는 연극과 영화를 동일선상에 놓고 우열을 가린다는 것은 어리석은 일이라는 결론으로 귀결된다. 연극은 연극으로서의 매력이 있고, 영화는 영화로서의 매력이 있다. 다만 이 두 장르를 우리가 함께 이해해볼 필요가 있는 것은 이 둘이 공히 갈등으로 이루어지는 극적 구조를 반영하면서, 설정된 무대를 배경으로 연기가 연출된다는 공통점을 지니고 있기 때문이며, 또한 반면에 처음부터 끝까지 연출에 의해 훈련된 앙상블을 연기해야하는 연극의 방식과, 세부단위의 장면들을 일일이 카메라로 찍고 후속작업으로 필름을 편집해야하는 영화의 메커니즘이 다르다는 차이점이 존재하기 때문이다.

그러한 공통점과 함께 제작 방식 간의 차이점을 이해한다면 연극과 영화라는 두 장르 간의 경계를 가로지르며 넘나드는 색다른 묘미를 즐길 수도 있을 것이다. 실제로 연극과 영화가 하나의 텍스트를 공유하였던 실례는 즐비하다. 주로 연극을 영화로 옮긴 사례가 되겠지만, 공전의 히트를 쳤던 <살인의 추억>(봉준호 감독, 2003)은 김광림의 희곡 <날 보러와요>(1996)를 각색한 것이며, <웰컴 투 동막골>(박광현 감독, 2005)은 2002년말에 인기리에 공연되었던 장진의 동명 희곡을 영화화한 것이다. 그 외에도 이윤택의 출세작인 연극 <오구-죽음의 형식>(1990)이 영화 <오구>(2003)로, 이만희의 대표작인 <돌아서서 떠나라>(1996)가 <약속>(김유진 감독, 1998)으로 영화화되었으며, 이와는 반대로 임순례 감독의 <와이키키 브라더스>(2001)가 뮤지컬로 공연되거나, 장현수 감독의 <라이방>(2001)이 연극으로 공연되는 경우도 있었다.

외국의 경우는 이루 열거할 수 없으리만치 많은 사례가 있다. 셰익스피어의 희곡들은 오손 웰즈 감독에 의해 <맥베드>(1947)와 <오델로>(1952)가 영화화된 이후 대부분의 작품들이 영화로 제작되었다고 할 수 있는데, 그중에서도 구로자와 아키라 감독이 <맥베드>를 <거미의 성>(1957)으로, <리어왕>을 <란 亂>(1985)으로 리메이크한 것이 특기할만하며, <셰익스피어 인 러브>(존 매든 감독, 1998)의 각본으로 잘 알려진 톰 스토퍼드가 <햄릿>의 한 모티프를 <로젠크란츠와 길덴스턴은 죽었다>(1990)로 재구성, 연출하여 베니스영화제 황금사자상을 수상하였던 사례는 유명하다.

그 외에도 테네시 윌리엄즈의 희곡 <욕망이라는 이름의 전차>(엘리아 카잔 감독, 1951)와 <뜨거운 양철지붕 위의 고양이>(리차드 브룩스, 1958), 유진 오닐의 <밤으로의 긴 여로>(시드니 루멧, 1962), 에드워드 올비의 <누가 버지니아 울프를 두려워하랴>(마이크 니콜스, 1966), 피터 셰프의 <에쿠우스>(시드니 루멧, 1977)와 <아마데우스>(밀로스 포만, 1984), 존 피엘미어의 <신의 아그네스>(노만 주이슨, 1985), 아더 밀러의 <세일즈맨의 죽음>(폴커 슐렌도르프, 1985), 데이비드 머멧의 <글렌게리 글렌로즈>(제임스 폴리, 1992), 안톤 체홉의 <갈매기>(끌로드 밀러, 2003) 등이 연극과 영화의 경계를 넘나들며 관객들의 사랑을 받았던 대표적인 작품들이다.

이 책은 이처럼 경계를 공유하면서도 제각기 독특한 장르의 특성을 유지하고 있는 연극과 영화의 이해를 돕기 위하여 각 장르들을 분리하여 편집하였다. 즉, 두 장르간의 공통적인 요소와 그 본질을 같은 시각에서 다루기보다는 각각의 장르들이 독자적으로 발전해온 과정을 살피고, 나아가 실제 제작 과정의 실기를 익힐 수 있도록 장을 달리하였다. 이 책이 연극과 영화를 보는 안목을 높이는데 도움이 되길 바라며, 자료의 정리와 편집에 힘써준 대학원생 김다정양과 고은미양의 도움에 감사드린다.

필름은 복제되며 영구히 보존되지만, 연극은 유일하며 찰나에 완성된다. 그 어느 쪽으로 시선이 더 기울어지는가는 이제 여러분의 몫이다.

2006년 2월 편자 씀.